“想请你一起来追寻”——来自安尼施•卡普尔的艺术邀约_光明网

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中央美术学院美术馆自10月25日起,一至四层的主要展览空间,被四组气势宏大、自成一体的装置作品占据,这是安尼施•卡普尔回顾性艺术展首航中国,呈现他35年来的重要艺术创作,11月11日在北京太庙美术馆展出他的代表性雕塑作品。开幕一个月,已成为时下热门展览之一。据美术馆公布的数据,平均每天人流量达4000人次。

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安尼施•卡普尔是当代西方艺术的代表人物,他的大型作品矗立在都市公共空间,被称为跨越世纪的艺术奇观。1954年卡普尔出生于印度孟买,1972年迁居英国伦敦,求学于霍恩西艺术学院和切尔西艺术与设计学院。1990年和1991年分获威尼斯双年展新秀艺术家奖和英国“特纳奖”,成为“新英国雕塑”的代表人物。

原标题:9/100艺 | 如果不吹爆雕塑艺术家Anish Kapoor,吹谁?

让我们聚焦卡普尔在美术馆的四组“大作”。进入一层展厅,观众迎面就会看到一个悬浮着的巨大红色太阳,默默注视着血红色的蜡质砖块从地面随着传送带缓缓上升,然后戏剧化地从顶端坠落,油蜡从高处坍塌在地的那一瞬间,心脏也随着这“咚!”的声响骤然坠落,紧张的情绪在落地的瞬间消解,伴随着下一次的上升、坠落复制着、重生着、循环着…这是一个典型机械化的的场景,这件作品的名称《致心爱太阳的交响乐》,曾在2013年于柏林的马丁格罗皮乌斯博物馆展出。三层展厅是卡普尔在2015年法国凡尔赛宫个人展览首秀的创作《将成为奇特单细胞的截面体》。在黑色巨大的立方体中,嵌入鲜红的孔洞,通过侧面隐蔽的门进入作品内部,看到这些洞神秘地缠绕在一起,形成了一张关于器官、感官纠缠的网。腔体结构贯穿立方体,内外形成完全差异化的空间对比,内部红色的光线穿透膜布,横竖穿插宛若神圣的光线,洒落在观众的身上,好象通过微缩细胞的视角,在身体中游走观看,让我们从另一个视角审视自我。

TJartrip精选100位艺术家——第9位:Anish Kapoor

《远行》 中央美院美术馆展览现场

36岁代表英国参加威尼斯双年展,37岁获得特纳奖,52岁创作了芝加哥云门,他就是Anish
Kapoor。

转到展厅的另一侧,一辆湛蓝色的挖掘机“勤勤恳恳”在几百吨红土上不停地工作,挖出的红土在视野中蔓延,不知道会涌向何方,这是他2017年在阿根廷纪念公园展出的工业景观作品《远行》。另一件巨型自动装置作品《我的红色家乡》在四层展出,一个巨型的25吨红色圆质蜡饼,中心连着一条金属臂和一个机械车,随着小车的转动,金属臂环绕着蜡质表面缓慢运动,四周的蜡在不断地被切削,堆砌,从塑,形成新的形状和景观。

安尼施·卡普尔 (Anish
Kapoor),1954年出生于印度孟买,70年代初到达伦敦学习艺术,曾就读于hornsey艺术学院以及切尔西
(chelsea)
设计与艺术学院,后定居伦敦。他在国际雕塑界具有很高的国际声誉,普遍认为他的作品是结合东西方文化的产物。

面对卡普尔的作品,我们首先记住的是颜色,是单纯的红色,他剔除了“五光十色”,选择了最单纯的颜色,他对于世界的表达从色彩方面进行了抽象与归纳,而在他的红色里边,我们可以看到有一种来自文明和历史的色彩,更有他直接的对生命的感悟。

2014年小T和lay在三星美术馆看到老人家的大型雕塑作品

“红色具有某种含蓄和主动的性征,这让我着迷,我总是想用红色创作作品。”

他一直致力于通过各种规模的材料来探索生物形态和几何形状,特别关注空间感知。如果朋友们喜欢建筑,就一定见过芝加哥云门#chicagobean,在ins上,各国网红都前来打卡。

卡普尔自述。卡普尔钟爱红色,在东、西方的语境中,红色常被认为与血液、祭祀、生命、热情相关,传达着神秘的意志和深刻的寓意。

是的,这就是老爷子最负盛名的作品之一。

安尼施•卡普尔在利用材料媒介方面是个不折不扣的高手,大理石、石膏、木头、不锈钢、玻璃、树脂、蜡油器、白垩粉末、镜面等等。利用大块红蜡是卡普尔的拿手好戏之一,也成为其艺术生涯里占比例相当大的一种创作材料,本次展览的四个大型装置作品,有两个是以红蜡为媒材。

卡普尔这半辈子,善于将形而上学的二元性结合在一起,在众多作品之间进行着不同的演绎。通过凹陷雕塑的空洞和突起让观众感受到事物的存在和缺失,用颜色浸渍的上色法来表达否定事物外表的想法,从而希望观众抛弃外在束缚,进入想象和思考的空间中。他的作品曾在纽约现代艺术博物馆,华盛顿特区国家美术馆和伦敦泰特美术馆等馆藏中展出。

卡普尔偏爱对“物质”的探索,汲取了极少主义的创作手法,将“物性”象征展露无疑,但同时保留着古老神秘、非同寻常的东方质感。1979年他第一次重返印度,返回英国之后便开始尝试使用泥土类材料进行创作,并涂上鲜艳的白垩粉,这些粉末在印度文化中有着特殊的含义——通常在寓意“惩恶扬善”的古老胡里节仪式表演中出现。原色粉末与单体几何的组合模式,成为他惯常采用的手法,其较早进入大众视野的作品《1000个名字》是一个突出例证,原意来自印度教之神毗湿奴的1000个名字,数字象征着无限,他描述“粉末显示出地板和墙面,而物体的一部分侵入水面,像冰山一样”。
延续此系列的其他颜料雕塑作品,包括蓝色的《天使》和多形多色的《反射红色的一个私密部分》在太庙古老的建筑空间与观众碰面,不同的形状与突起迷惑着观者的双眼。浓厚的神秘主义与丰富的戏剧性使得作品充满鲜活的生命力,这两个特征贯穿了他的创作历程。

今年,六十五岁的老爷子来到文明古国——中国,并且选择太庙和央美美术馆两大分会场展出他35年创作生涯中的大部分作品。

安尼施•卡普尔善于营造庞大的公共雕塑作品,以绝对吸引眼球的庞大形式抓住人心,同时却带来充满幻象的体验。不少人被卡普尔吸引,来自他在世界各处营造的镜面奇观,譬如芝加哥千禧年公园《云门》、纽约洛克菲勒中心《天空之镜》,曲面镜作品《C曲线》《S曲线》《非物质》曾在伦敦肯辛顿花园展出,现在这组系列不锈钢雕塑作品在太庙艺术馆展出,当人们走进他的作品的时候,反射的形象发生了变化,有时候巨形的放大,有时候缩小,甚至变成倒立。所以这些镜像、镜中之像就给观者带来了各种新的体验,而这种互动是不需要翻译和言说的,因为是置身其中可以感受到。

600年历史的太庙是个好地方,太庙是古代君王祭祖供奉的地方。现在,各大品牌都到此一游:沛纳海、万国表、VIVO、梅赛德斯-奔驰中国国际时装周、鄂尔多斯、水井坊、泸州老窖、《碟中谍6》首映会、任哲易烊千玺追捧的任哲艺术展……只要有大把的银子,都可以在此争奇斗艳。这次,Kapoor的一系列作品也在太庙艺术馆展出。

澳门新葡亰登录入口,徜徉在安尼施•卡普尔构建的艺术世界里,人们也在寻找,卡普尔究竟给我们带来了什么?他如何以艺术联系起东方和西方,联系起传统和当下?中央美术学院美术馆馆长、总策展人张子康认为:卡普尔的艺术创作引发共振,呈现了一种超越文化或意识形态价值的雕塑语言。这些作品将展开与中国观众的丰富对话。正如中国古语所言“他山之石,可以攻玉”,卡普尔此次个展将会对我们思考如何将中国丰富的传统思想资源转换为一种现代感的当代形式,提供一个有意义的参照。

太庙艺术馆

卡普尔对他艺术的中国之行十分重视,“想请你一起来追寻”是他的愿望之约,希望观众在他艺术的宏大场景中畅游、畅想和畅谈,关乎艺术,关乎生命的迷。

太庙现在为北京劳动人民文化馆,整个大馆只需要2块钱门票即可入园。

[ 责编:田媛 ]

入园后就能看到鲜红的指引牌。大概走个七八分钟,就能到达太庙艺术馆区域。

提问:谁知道朱红色大门上有几个“疙瘩”?

在康老板那里现学现卖一下,朱红大门上的疙瘩叫门钉。为了满足宗室和其它达官显贵的愿望,清朝又同时规定,亲王可以七路乘以九路钉上63个门钉,王府大门上可以七路乘以七路钉上49个门钉,爵位越低,依次递减。至于平民百姓,则更是在制度上就已经禁止使用门钉了。这是因为九这个数在中国的传统文化中占有特别重要的意义,是九五之尊才能使用的,而其他人不能僭越,便只有逐级递减。故宫区域的大门上,都是9×9=81个门钉,可见其至尊地位。

推开朱红大门,经过前殿,就到了太庙艺术馆正馆,十块钱门票随便买买。

在太庙艺术馆,主要展出了Kapoor的静态雕塑作品,主要分为三个大厅:正厅是系列不锈钢作品S曲线C曲线非物质狭板等作品;两侧分别是早期的彩色粉末雕塑作品。

Kapoor的不锈钢系列作品往往以简洁弧线的方式出现,一系列不锈钢与颜料雕塑对空间的反射和折射,与周遭的环境相映成趣,正所谓一步一景,现代作品与宏伟的历史建筑进行前所未有的对话。

这系列作品,曾经在2019乌镇当代艺术展上展出过。可以想象,在不同的环境,如草地、湖泊、沙漠等地儿,都会得到不一样的反馈。

太庙艺术馆享殿的两侧配殿展区中展出颜料雕塑,他早期的作品常常以彩色粉末的方式出现,这些粉末以不同的造型出现,这种做法的灵感来自于印度市场和寺庙里常出现的彩色粉末推出的小丘。

卡普尔对颜料的运用是其许多开创性作品的基础,并凭借富有创新性的颜料系列《1000个名字》名声鹊起。

《虚空》,1989

《虚空》这件作品是有玻璃钢和色粉制作,实心的雕塑看过去像是一个拥有深邃深渊的空洞。但其实他是实心的。据展馆的保安说,看展前老爷子带着自己工作室的人在安装时候也是拼,一跪下就是好几个小时。

《天使》这件大型的雕塑作品,小T是没有看懂。原本是石头,裹上一层深蓝的色粉,改变了原来材质的属性,en……然后呢???

溜了,还是到中央美术学院美术馆去吧。

央美美术馆

远在望京的央美,承载了小T对学习的一切渴望。如果读书时候,学校也有美术馆和海量艺术书籍该多好啊。

120元的门票,犹豫了一下,咬牙买买。

在央美美术馆展出的作品《我的红色家乡》中,他用旋转的机械刀片在25吨红蜡的开口容器表面转动碾压,作品的名称无疑提供给观众去解读它的方向。从他的故乡出发,卡普尔的红色抵达了每个人的身体。

作品大量的融合了印度的哲学及空间感混合欧洲的现代艺术表现形式来表达他对生活、空间、人与人关系的感知。

而最令小T顶礼致敬的作品是大型公共空间作品:《将成为奇特单细胞的截面体》。作品外面看起来想一个平淡无奇的黑色立方体。但是,红色又成为了每个人体内血管,穿插于立方体之中。

当你进入到立方体之中,发现红色的血管透过自然的光线,形成有序又无序的韵律。

你抬头观望,或者举起相机拍摄,每一个维度每一个角度,都能随着光线的照射观察到不一样的美。

而一切,都不需要一丝电,都是用自然光+内部的结构晕染而成的美。

除此之外,更令人兴奋的是Kapoor生涯中创作的一系列模型,都一一陈列在美术馆的三楼。每一件作品都是大型的公共异想空间。

有从裂缝中顽强生长出来的异度空间。

有审视自己和周边环境的对话空间。

有正在施工的大型女性身体的公共空间。

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